Acrílico sobre papel intervenido
Marco con cristal
Obra original firmada

Esta pieza forma parte del proyecto Apropiación indebida (ACOR), en el que imágenes clásicas de tradición religiosa son recontextualizadas mediante intervención pictórica y textual.

En Ángeles Conversos, la iconografía angelical es desplazada hacia el imaginario del pastafarismo, sustituyendo solemnidad por ironía y dogma por sátira.

La obra tensiona tradición y parodia, fe y construcción cultural, revelando cómo toda creencia puede ser reconfigurada dentro del marco simbólico contemporáneo.

Proyecto: Apropiación indebida (AHCOR).

Mixta sobre print antigua intervenida
56 × 76,5 cm
Marco intervenido. Cristal
Pieza única. Firmada frontalmente.

Esta obra parte de la iconografía popular de Giovanni Bragolin y su serie de los “niños llorones”, imágenes asociadas a la precariedad emocional de la posguerra europea.

La intervención desplaza ese relato: el niño ya no representa pobreza material, sino una carencia afectiva dentro del imaginario contemporáneo del lujo y el estatus.

La frase incorporada en la pieza —
“Don’t work for his clothes. Work for his love.” —
actúa como eje conceptual, tensionando consumo y cuidado.

Obra expuesta en Feria de ArteAparte XI (Cáceres).
Proyecto: Apropiación indebida (AHCOR).

Mixta sobre print antigua intervenida
56 × 76,5 cm
Marco intervenido. Cristal
Pieza única. Firmada frontalmente.

Esta obra parte de la iconografía popular de Giovanni Bragolin y su serie de los “niños llorones”, imágenes asociadas a la precariedad emocional de la posguerra europea.

La intervención desplaza ese relato: el niño ya no representa pobreza material, sino una carencia afectiva dentro del imaginario contemporáneo del lujo y el estatus.

La frase incorporada en la pieza —
“Don’t work for his clothes. Work for his love.” —
actúa como eje conceptual, tensionando consumo y cuidado.

Obra expuesta en Feria de ArteAparte XI (Cáceres).
Proyecto: Apropiación indebida (AHCOR).

En esta pieza, una cucaracha se eleva sobre la Torre Tavira, dominando la ciudad. Al fondo se reconoce el Campo del Sur y la línea del mar. La figura, tradicionalmente asociada a lo marginal o indeseado, se convierte aquí en metáfora de resistencia y permanencia.

El texto inferior integra un fragmento de Roque Dalton, reforzando el tono irónico y satírico de la obra. La cucaracha no es plaga: es superviviente.

La ciudad aparece construida como acumulación cromática, bloques superpuestos frente al horizonte atlántico, generando tensión entre lo poético y lo urbano.

La pieza está realizada con spray y acrílico sobre papel.

El marco forma parte activa de la obra: se trata de un marco antiguo reapropiado e intervenido con spray, recontextualizado como elemento pictórico. No es un accesorio, es parte de la pieza.

Se entrega con cristal incluido.
Medida exterior total: 42,5 × 59 cm.

Pieza única.

La eliminación del paisaje y de cualquier referencia contextual convierte la ola en un símbolo autónomo, suspendido en un fondo blanco que intensifica su presencia y su carácter casi gráfico. El resultado oscila entre homenaje y distorsión: una imagen familiar transformada en señal contemporánea, entre lo decorativo, lo pop y lo inquietante.

La pieza dialoga con la memoria visual colectiva y con la forma en que los iconos culturales son reproducidos, consumidos y resignificados en la actualidad.

Obra perteneciente a la serie ROEM. Pieza única. No existe edición en print.

La pieza evoca imaginarios bélicos contemporáneos sin representarlos de forma directa, sustituyendo la maquinaria militar por objetos frágiles, domésticos y aparentemente inofensivos. Este desplazamiento transforma la escena en una reflexión sobre la banalización de la guerra, su estetización mediática y su transmisión cultural.

El contraste entre inocencia y destrucción genera una ambigüedad inquietante: no está claro si asistimos a un juego, a un recuerdo o a una simulación.

Obra perteneciente a la serie ROEM. Pieza única. No existe edición en print.

Obra original única. Sin edición en print.

El lago, construido mediante planos de color, remite a una abstracción modernista que contrasta con la carga narrativa de los personajes.

Obra original única perteneciente a la serie ROEM.
No existe edición en print.

Un tren —símbolo clásico de progreso, propaganda y maquinaria histórica— avanza por la vía derecha, cargado de épica revolucionaria. Sin embargo, la escena no celebra: cuestiona. La dirección única impuesta, la inevitabilidad del relato oficial y el coste humano del movimiento histórico se ponen en duda.

La inclusión de la estética de Tintín en el país de los soviets, reinterpretada en blanco y negro, introduce una segunda capa: la mirada occidental sobre el mito revolucionario, oscilando entre la sátira, la propaganda y la ingenuidad ideológica.

Roem no ofrece una respuesta cerrada. La obra funciona como un cruce de narrativas: propaganda, cultura popular y memoria política. El resultado es una imagen vibrante y ambigua que obliga al espectador a posicionarse.

Aquí Madrid aparece en choque directo: cielo azul atravesado por un avión, arquitectura roja y amarilla tensada por verdes y morados, y una ciudad que no posa, empuja.

El edificio Capitol se convierte en superficie activa: texto, gesto y color entran sin pedir permiso. Aparecen signos claros —Schweppes, Vodafone, frases que flotan en blanco— no como publicidad, sino como ruido visual convertido en pintura.

El trazo es libre, rápido, con materia y contraste. Hay grafiti, hay texto, hay firma en grande. La ciudad se pinta como se vive: saturada, contradictoria, viva.

En un lateral aparece una escena mínima: Antonio López pensando en pintar la Gran Vía, reducido a figura casi infantil, cuatro líneas que dicen más por lo que sugieren que por lo que explican.

La obra incluye marco dorado recuperado e intervenido. El gesto entra también en el marco, lo mancha y lo integra. El marco no adorna: participa.

Firmada a mano por el artista y acompañada de certificado de autenticidad.
Se embala de forma personalizada para su envío.